Trabajo final. Corto "El secreto"

Trabajo libre. Metraje encontrado

Trabajo libre.

Trabajo de video danza en grupo: Capoeira

Obra realizada en grupo por Borja Jaume, Roberto Fernández y Roxana Sánchez.

Walter Murch. En un parpadeo

En este libro, Walter Murch cuenta su experiencia profesional como editor de cine, citando ejemplos como el largo periodo de edición de la película Apocalypse Now y su experiencia  al montarla, en la cual tardo dos años entre el montaje de imágenes y sonido ya que había 95min de película rodada por cada minuto de película que estaría en el producto final.  Dice que un editor va descubrimiento un camino, la mayoría del tiempo que emplea no es en cortar y pegar. Cuanto más filme, más posibilidades pueden considerarse. Comenta por ejemplo que para cada empalme definitivo en la película terminada hubo quince empalmes en la "sombra" desechados posteriormente.
Se pregunta por qué funcionan los cortes comparándolos con la realidad visual que percibimos por nuestros ojos, que es un flujo de imágenes continuo, y de su importancia práctica, ya que tomas muy largas sería complejo rodarlas sin cometer errores, además de sus posibilidades artísticas(por ejemplo permite coger los ángulos que más interesen para cada emoción, impacto visual, etc.). Asegura que cuando un cambio de plano no es lo bastante evidente como para hacernos revalorizar su contexto, produce una molestia mental comparándolo con el cambio de posición de una colmena y las consecuencias que tiene sobre las abejas; Por ello habla de unos cortes que “funcionan” y los 6 criterios necesarios para que esto ocurra, que serian la emoción(51%), historia(23%), ritmo(10%), línea de la mirada(7%), el eje de acción(5%) y el espacio tridimensional de la acción(4%). Comenta que por ejemplo si hay un corte que da a la historia emoción, la avanza, da ritmo, respeta la dirección de mirada, etc. pero no conserva la continuidad de espacio tridimensional ese corte será el adecuado si ninguno de los otros cortes mantiene la emoción correcta, y añade que satisfaciendo los valores más altos de la lista se suelen disimular los errores de los valores más bajos. Pero siempre que sea posible hay que intentar satisfacer todos los valores.

Compara al editor con un mago, pues debe conseguir dirigir la mirada de la gente hacia donde sea oportuno en cada momento. Desorientar al espectador. Explica sus técnicas para lograr una apreciación global. Al poder estar al margen del rodaje, no está influenciado por lo costoso que fue realizar determinados planos, y puede considerar al margen de ello, si deben estar o no en la película final. Debe haber una barrera entre rodaje y edición, pensar únicamente que percibirá el público. Comenta la estrecha relación director-editor donde a la hora de editar intercambian a veces sus papeles hasta llegar a una idea conjunta entre las ideas de ambos.
Muchas veces trabajan varios editores simultáneamente, lo que se traduce en más velocidad aunque es más difícil mantener la coherencia, pero a la vez puede enriquecerse por los diversos puntos de vista.

Menciona la importancia de seleccionar como mínimo una imagen representativa de cada plano (o posición de cámara) y fotografiarla ya que sirve de ayuda en discusiones posteriores con el director sobre lo que se rodó y cómo fue rodado, y también son un gran recurso para la sección de publicidad. Además con ella se pueden expresar emociones no descritas fácilmente con palabras. Según Cartier-Bresson el "momento decisivo". Comenta que la mayoría de imágenes escogidas estaban muy cerca del punto de corte.

Explica también las maquinas empleadas para editar, como la Moviola( la compara con la arcilla), el Avid y el Lightworks(ediciones a partir de ordenador) son ediciones de acceso aleatorio, sistemas no lineales.  El Steenbecks o KEM(compara con un bloque de mármol) es de acceso lineal. Dice “puede encontrarlo que usted realmente quiere, en lugar de lo que pensó que quería” en bobinas de diez minutos ordenadas según el orden de rodaje, también señala su preferencia personal de editar de pie, lo compara con un cirujano o cocinero  y dice que editar es como un baile.

Habla sobre lo importante que es ver el material al terminar el rodaje y al terminar la edición porque durante ese proceso pueden haber cambiado las opiniones. Tambien trata el tema de equilibro de colores y cómo observarlo más detenidamente con un nivel bajo de luz.

Comenta la importancia de los testeos, y como no sería solo recomendable preguntar justo tras la proyección, cuando el espectador presenta un "dolor reflejo", sino uno o dos días después que ha podido dejar madurar la película.

Relaciona los cortes con los parpadeos humanos, señala que aceptamos al corte porque se parece a la forma en que las imágenes se yuxtaponen en nuestros sueños. Dice que el parpadeo no es solo una respuesta fisiológica ante la sequedad del ojo, sino que está relacionado con las emociones y pensamientos. Comenta “Para entender una idea, o una sucesión de ideas, pestañeamos, separarando y puntuando, una idea de la siguiente. De manera semejante, en una película, un plano nos presenta una idea, o una sucesión de ideas, y el corte es un "parpadeo" que separa y puntúa esas ideas.”

Y afirma que estas yuxtaposiciones no son artefactos mentales accidentales, sino parte del método que acostumbramos a usar para entender al mundo,” Cuando nos sentamos en el cine a oscuras, encontramos (sorprendentemente) en la película una experiencia familiar.”

También nombra el sistema al que apodó "Dragnet" como una manera simple de editar. Cada

plano tiene potenciales "puntos de corte" y para seleccionarlos deberíamos
1) identificar una serie de puntos de corte potenciales (y las comparaciones con el

parpadeo pueden ayudarnos a hacerlo).

2) determinar qué efecto tendrá en el público cada punto de corte

3) escoger cuál de esos efectos es el correcto, para la película en cuestión.

Señalando así que el punto de corte debe ser un punto del parpadeo potencial.

El texto esta escrito en un lenguaje claro y conciso y en él vuelca su experiencia profesional, asi como pensamientos y valores hacia el mundo de la edición, de qué se trata, como ha evolucionado a lo largo de su carrera, su importancia para el cine y su valor artístico. En sus hojas se ve reflejado, su aprecio por la profesión y la importancia y exigencia que representa el trabajo.
En mi opinión se trata de un texto muy interesante para comprender la verdadera función de la edición y el trabajo que realiza un editor . Además la cantidad de experiencias y ejemplos personales que cita sirven para comprender su importancia.
Personalmente, la idea de poder observar “una galaxia de puntos parpadeantes” que serían los parpadeos de los espectadores, sincronizados al estar envueltos en el ritmo de la película me ha parecido muy interesante y bonita.

Análisis "El Tercer Hombre", Carol Reed 1949

1.      1.  Trama maestra: 

Según la lista de  Roland Tobias, la cual engloba veinte tramas maestras de las que parten todas las historias posibles.
La trama maestra es el Enigma, una estructura rompecabezas con varias incógnitas y donde se camufla la información importante con naturalidad, que va apareciendo progresivamente lo que mantiene al espectador atento.
También aparecen otras tramas como la Búsqueda, Persecucion, etc.

2.      2.  Estructura dramática:

Según el esquema de Linda Seger, la estructura dramática se dividiría en:

Acto I
-Planteamiento: Sitúa al espectador en la ciudad de Viena durante las postguerra, cuando ésta estaba dividida en cuatro zonas (americana, inglesa, rusa y francesa). Holly Martins, un escritor norteamericano sin dinero, llega a Viena para encontrarse con su amigo Harry Lime, quien le había prometido un empleo en la ciudad.
-Detonante: Al llegar a la casa de Lime, Martins se entera de que su amigo ha tenido un accidente y está muerto.

Acto II
-Primer punto de giro: El portero de la vivienda de Lime, confiesa a Martins que el día del accidente había un tercer hombre que no declaro ante la policía, pero el resto de testigos niegan su existencia.
-Nudo: El mayor Calloway, investigador del caso, le cuenta a Martins que su amigo era un delincuente. Martins decide investigar y hablar con los amigos de Lime, para limpiar el nombre de su amigo, pero tras hablar con ellos surgen incognitas sobre las extrañas circunstancias de la muerte de Lime.

Acto III
-Segundo punto de giro: Martins descubre que su amigo sigue vivo.
-Clímax: Persecución de Lime por parte de la policía y Martins, ya que éste descubre la realidad, que su amigo traficaba con penicilina robada y adulterada posteriormente, y esta había producido desde lesiones hasta  la muerte de los que la habían consumido. Muerte de Lime.
-Desenlace: Verdadero entierro de Lime. Martins espera a Anna para hablar con ella y quizá empezar un romance, pero ella le ignora, por haber traicionado a Lime.

3.   3.  Temperamento y carácter de los personajes principales y arco de transformación:

-Holly Martins:
Temperamento y carácter: Es un escritor honesto, sincero y simpático. No oculta sus emociones y dice lo que piensa. Es valiente, perspicaz y perseverante. Según la descripción de Hipócrates tendría un temperamento sanguíneo.
Arco de Transformación: A lo largo de la película sufre un cambio de actitud respecto a la visión de su amigo, primero intenta limpiar el nombre de Lime, pero al conocer la verdad, se siente frustrado y engañado, por ello intenta regresar a su país y alejarse lo antes posible de esa situación, pero por su moral, decide quedarse y hacer lo correcto, ayudar al mayor Calloway y matar a Lime para impedir que éste huya.

- Anna Schmidt:
Temperamento y carácter: Es una mujer sensible y tímida. Es muy discreta e introvertida. Sufre mucho por la muerte de Lime. Su temperamento sería melancólico.

Arco de Transformación: Ella es fiel a Lime desde el principio de la película hasta el final, a pesar de conocer la verdadera personalidad de Lime y haber sido engañada y abandonada por él sigue queriéndole y por ello no soporta la traición de Martins.

- Harry Lime:
Temperamento y carácter: Es un hombre astuto y carismático. Un vividor que ha sabido buscarse la vida en los difíciles tiempos que le han tocado vivir, pero también es  una persona cruel y egoísta que antepone sus intereses a los de otras personas, incluidos también sus amigos o pareja.

Arco de Transformación: La visión inicial del personaje es la que proporcionan de él Anna y Martins, lo describen como una persona inteligente, solidaria y amistosa. A medida que avanza la película el personaje se muestra tal y como es, un hombre sin escrúpulos capaz de cualquier cosa para protegerse a si mismo, pues es lo único que le importa.

- Mayor Calloway:

Temperamento y carácter: Es una persona seria, reservada y estricta. Actúa en todo momento con mucha profesionalidad y tiene ideales fijos, pues su opinión sobre Lime no cambia en ningún momento a pesar de la insistencia de Martins en que estaba equivocado. Su temperamento sería flemático.
Arco de Transformación: Es un personaje bastante estable, Al principio cree que Lime esta muerto y no quiere darle importancia a si fue un accidente o un asesinato, por ello incita a Martins a que vuelva a su país, pero cuando Martins descubre los interrogantes sobre la muerte/desaparición de Lime, decide mantener a Martins de su lado, adelantándose a que será el aliado que necesita para al fin atrapar a Lime.

Vídeo Paisaje Sonoro

Paisaje sonoro

Secuencia El Séptimo Sello. Roberto Fernández, Borja Jaume y Roxana Sánchez.

Tríptico

Montaje de 3 planos con Premiere.

Plano Secuencia

Un plano secuencia premeditado y otro espontáneo. Primer contacto con el programa de edición Premiere.
PD: Gracias Beatriz Miranda y Alejandro León por vuestra colaboración.

Andréi Tarkovski

Esculpir en el tiempo es un libro escrito por el famoso director de cine ruso Andréi Tarkovski. En este libro, trata de manera personal su visión del arte cinematográfico englobando también otras artes. En el capítulo 'La imagen cinematográfica' abarca desde la esencia misma de la imagen, el lenguaje secreto que emplea y la verdad que lleva implícita hasta otro tipo de artes literarias, plásticas, etc.  La compara con un haiku, que son sencillos y precisos en la observación y por el carácter irrepetible del momento que captan. También destaca los cuadros de Leonardo Da Vinci, por su capacidad de observar el objeto desde fuera y por las posturas contradictorias que provocan.
El comenta: ''Una imagen es... una impresión de la verdad a la que podemos dirigir nuestra mirada desde nuestros ciegos ojos.''.
En el capitulo también habla sobre la importancia del tiempo, que es al fin y al cabo lo que conforma la película, y la diferencia de la imagen fotográfica. Y habla de como este tiempo puede plasmar según se trate, unas sensaciones que estén en la idea que el director quiera transmitir. También habla del montaje y de que éste no es por sí mismo requisito imprescindible para una buena película, pues si los planos no están pensados de antemano y con una cierta intención, el montaje sera difícil y no dará buen resultado. No solo hay que conocer la técnica, también hay que saber por qué motivo se emplea. Como es imprescindible ordenar, estructurar y coordinar los planos y que un director debe poseer una sensibilidad temporal para ello.
También abarca el tema de la idea y los guiones, como la idea pura que quiere transmitirse no tiene que estar del todo fijada, pues va evolucionando en la propia producción de esta, y como debe un director conseguir que todo su equipo, conduzca a la reproducción de esta idea y la difícil tarea que eso supone. También trata la diferencia entre los guiones cinematográficos y los teatrales. En relación con los actores, como deben confiar en un director y no intentar dirigir ellos su actuación, sin saber en todo momento por qué deben expresar eso o qué ocurrirá mas adelante. Y también menciona la importancia de la música y sonidos en el cine.

A lo largo de este capítulo va mostrando a través de ejemplos, tanto suyos, como de otros artistas, sean cineastas o de otros campos, su estilo, opiniones, discurso, las ideas que quiere plasmar y el empleo de recursos para conseguir transmitir esas ideas. Para ello repasa y analiza su carrera a través de un dialogo consigo mismo que haga comprender mejor su oficio. Pues para el lo mas importante es que un director consiga transmitir su idea pura y principal a los espectadores, este es el arte del cine. Por ello también critica a muchas personas dedicadas a este campo, que lo ven con fines comerciales y no tanto artísticos, de creación y expresión propia.

El espejo(‘Zerkalo’,1975) Es una compleja película dirigida por Tarkovski, se trata de una de sus películas mas personales y arriesgadas ya que es parcialmente autobiográfica, una de las razones por las que fue bastante criticada, también lo fue por ser demasiado compleja y poco tradicional. En ella plasma la propia vida con toda su pureza, sin prejuicios. La sitúa en la época de su infancia, con su madre como principal protagonista y mezcla grabaciones de la  Guerra civil española, la Segunda guerra mundial y el enfrentamiento entre la URSS y China por la isla Damanski. Emplea el tiempo de una manera peculiar para expresar de forma sutil los sentimientos e inquitudes de la actriz principal, que hace referencia a su madre, para así expresar de manera mas real la idea a transmitir sin tener que recurrir a las extremas interpretaciones teatrales de las que estaba tan en desacuerdo de su empleo en películas.

En su libro Esculpir en el tiempo, cita la película en varias ocasiones para poner ejemplos de su trabajo y de la función del cine como arte. Esto ayuda a comprender la película y entender por qué y con qué fin emplea algunos recursos, por ejemplo comenta que a Margarita Terekhova, la protagonista no le contó como acabaría la película, si volvería a reunirse con su marido al final de esta, así conseguía que ésta de verdad mostrase una inquietud real, al no saber que ocurrirá, confiando plenamente en el director.
Otro ejemplo es la aparición de obras de Da Vinci y su significado, como explica en el libro. Y la introducción en diferentes momentos de poemas sonoros escritos por su propio padre.
En el documental 'Une journée d'Andrei Arsenevitch' (2000) además de introducirnos en la vida de Tarkovski, también hacen alusión a esta película, haciéndonos ver algunos componentes que pueden pasar desapercibidos, como su gusto por la inclusión de varios elementos naturales al mismo tiempo como el agua y fuego, el viento, etc.

En mi opinión se trata de una película bastante compleja en comparación con las películas que estamos acostumbrados a ver hoy día, que tras leer su libro, se engloban principalmente en un cine comercial que muestran sus ideas de forma tan clara y parecidas entre sí, que en pocas ocasiones hacen pensar al espectador.

 

Exposición Bill Viola[en diálogo]

En la exposición del artista norteamericano Bill Viola, la cual se puede visitar en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando hasta el 30 de marzo de este año, se presentan 4 video instalaciones repartidas a lo largo del museo. Dos de ellas,  Dolorosa, 2000 y Montaña Silenciosa, 2001 en la misma sala y las otras dos, El Quinteto de los Silenciosos, 2000 y Rendición, 2001 separadas en salas diferentes y no cercanas.
Para empezar, esta disposición llama la atención ya que excepto El Quinteto de los Silenciosos, que se encuentra en un pequeño apartado de una sala,  el resto de obras están en salas que exponen al mismo tiempo obras maestras italianas, flamencas y españolas como cuadros, grabados y esculturas de artistas conocidos tales como Manuel Pereira, Francisco de Zurbarán, Francisco Goya, etc. Y al tratarse las obras de videos muy ralentizados que muestran como objeto principal a seres humanos, prescindiendo de fondos u otras distracciones, la primera impresión que me dio era como si estos videos también se tratasen de retratos como las pinturas de los estaban rodeados y con los que se envolvían. Claro esta, que una vez que centrabas la vista en ellos unos segundos, podías percibir el sutil cambio que iba surgiendo en las obras de Bill Viola, y podías entender, lo que se encuentra en el fondo de las personas "retratadas", es decir, sus sentimientos, inquietudes, sufrimientos y en algún caso, su liberación. La forma de presentarlo con esa ralentización tan extrema es que así, a mi parecer, podemos sentirlos y quizá entenderlos mejor, sentir su respiración, su desesperación tan internamente, como si fuera nuestra y así de alguna manera conectarnos emocionalmente a ellos empatizando con sus emociones.

En Dolorosa, podemos observar dos imágenes puestas una al lado de otra que muestran en una a una mujer y en otra a un hombre, ambos muestran una gran tristeza que deja ver el  enorme sufrimiento por el que están pasando, cada uno a su manera. Que las imágenes estén juntas, con el mismo formato y pegadas, pero a la vez sean independientes me hace pensar en la soledad del sufrimiento, que aunque las dos personas estén pasando por este sentimiento, se trata de una lucha interna e individual que cada uno tendrá que soportar.

 

En Montaña Silenciosa vemos en una imagen a una mujer y en otra a un hombre, esta vez a plano medio. En ellos podemos observar por sus expresiones faciales y corporales,  un estrés y dolor, que  les hace estremecerse, gritar, encogerse y retorcerse, pero al final consiguen, al deshacerse de toda la carga dolorosa, una renovación que los calma momentaneamente.

En El Quinteto de los Silenciosos observamos a cinco hombres de pie, también en plano medio, que están muy juntos pero que no interactúan entre ellos salvo en leve contacto físico, al principio todos tienen una expresión neutral pero poco a poco va creciendo su emoción, cambiando sus expresiones, pero sin que estas interactúen. Ninguno se mueve de sus posición inicial. Todo esto me hace reflecionar sobre el fuera de campo pensando qué ocurre para que se produzca ese cambio emocional.

Por último, en Rendición, se muestran dos imágenes, una encima de otra, en una aparece un hombre y en otra una mujer, la de abajo con la cabeza boca abajo, esto va cambiando en cada reproducción. Como si se tratase de un espejo, salvo que cada uno viste un color diferente de camiseta. Sus imágenes  aparecen distorsionadas, en unos momentos se acercan como si fuesen a besarse y entonces se sumergen en el agua y se comprueba que lo que se estaba viendo eran sus reflejos en el agua. Al sumergirse crean la ondulación que luego hace verlos distorsionados, a través de esta distorsión se pueden advertir signos también de sufrimiento.

A través de todas las obras, hace pensar al espectador sobre las emociones humanas, y sus manifestaciones físicas, plasmadas de forma moderna en estas video instalaciones.

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